Marina Abramovic. Manifiesto de la vida de un artista

La conducta del artista en su vida
 Un artista no debe mentirse a sí mismo u a otros.
 Un artista no debe robar ideas a otro artista.
Un artista no debe hacer concesiones consigo mismo o con el mercado del arte.
Un artista no debe matar a otro ser humano.
Un artista no debe hacer de sí mismo un ídolo.
Un artista no debe hacer de sí mismo un ídolo.
Un artista no debe hacer de sí mismo un ídolo.
 La relación del artista con su vida amorosa
 Un artista debe evitar enamorarse de otro artista.
Un artista debe evitar enamorarse de otro artista.
Un artista debe evitar enamorarse de otro artista.

 La relación del artista con lo erótico
 Un artista debe desarrollar un punto de vista erótico en relación al mundo.
Un artista debe ser erótico.
 Un artista debe ser erótico.
Un artista debe ser erótico.

 La relación del artista con el sufrimiento
 Un artista debe sufrir.
Del sufrimiento surge el mejor trabajo.
El sufrimiento trae transformación.
A través del sufrimiento el artista trasciende su espíritu.
 A través del sufrimiento el artista trasciende su espíritu.
 A través del sufrimiento el artista trasciende su espíritu.

 La relación del artista con la depresión
 Un artista no debe estar deprimido.
 La depresión es una enfermedad y debe ser curada.
 La depresión no es productiva para un artista.
La depresión no es productiva para un artista.
La depresión no es productiva para un artista.

 La relación del artista con el suicidio
 El suicidio es un delito contra la vida.
Un artista no debe suicidarse.
 Un artista no debe suicidarse.
Un artista no debe suicidarse.
 La relación del artista con la inspiración
 Un artista deber mirar profundamente dentro de sí en busca de inspiración.
Cuanto más profundo mire dentro de si, más universal se vuelve.
Un artista es universo.
 Un artista es universo.
Un artista es universo.

 La relación del artista con el autocontrol
 Un artista no debe tener autocontrol de su propia vida.
Un artista debe tener completo autocontrol de su obra.
Un artista no debe tener autocontrol de su propia vida.
 Un artista debe tener completo autocontrol de su obra.
 La relación del artista con la transparencia
 Un artista debe dar y recibir al mismo tiempo.
La transparencia significa receptividad.
La transparencia significa dar.
Transparencia significa recibir.
 La transparencia significa receptividad.
 La transparencia significa dar.
Transparencia significa recibir.

 La relación del artista con los símbolos
 Un artista crea sus propios símbolos.
 Los símbolos son el lenguaje de un artista.
Por lo tanto el lenguaje debe ser traducido.
Algunas veces es difícil hallar la clave.
 Algunas veces es difícil hallar la clave.
 Algunas veces es difícil hallar la clave.

 La relación del artista con el silencio
Un artista debe comprender el silencio.
Un artista debe crear el espacio para que el silencio entre a su obra.
 El silencio es como una isla en medio de un océano turbulento.
 El silencio es como una isla en medio de un océano turbulento.

 La relación de un artista con la soledad
 Un artista debe hacerse de tiempo para largos períodos de soledad.
La soledad es extremadamente importante.

 Lejos del hogar, Lejos del taller,
 Lejos de la familia,
Lejos de los amigos.
 Un artista debe permanecer mucho tiempo en cascadas.
Un artista debe permanecer mucho tiempo en volcanes en erupción.
Un artista debe permanecer mucho tiempo mirando ríos torrentosos.
Un artista debe permanecer mucho tiempo mirando el horizonte donde el océano y el cielo se unen. Un artista debe permanecer mucho tiempo mirando las estrellas en el cielo.

 La conducta de un artista en relación al trabajo
 Un artista debe evitar ir al taller todos los días.
Un artista no debe tomarse su agenda de trabajo, tal como lo hace un empleado bancario.
 Un artista debe explorar la vida y el trabajo sólo cuando una idea venga a él en un sueño, o durante el día como una visión que surge como una sorpresa.
Un artista no debe repetirse a sí mismo.
 Un artista no debe sobreproducir.
 Un artista debe evitar su propia contaminación del arte.
 Un artista debe evitar su propia contaminación del arte.
Un artista debe evitar su propia contaminación del arte.

Las posesiones de un artista
 Los monjes budistas aconsejan tener sólo nueve posesiones en la vida: 1 prenda de vestir para el verano, 1 prenda para el invierno, 1 par de zapatos, 1 bol para comida, 1 mosquitero, 1 libro de oraciones, 1 paraguas, 1 manta donde dormir y 1 par de anteojos, de ser necesario.
Un artista debe estar advertido del mínimo de posesiones que debe tener.
Un artista debe tener más y más de menos y menos.
 Un artista debe tener más y más de menos y menos.
Un artista debe tener más y más de menos y menos.

 La lista de amigos de un artista
 Un artista debe tener amigos que alegren su corazón.
Un artista debe tener amigos que alegren su corazón.
Un artista debe tener amigos que alegren su corazón.
 La lista de enemigos de un artista
 Los enemigos son muy importantes.
El Dalai Lama dijo que es fácil sentir compasión por los amigos, pero es mucho más difícil sentir compasión por los enemigos.
 Un artista debe aprender a perdonar.
Un artista debe aprender a perdonar.
Un artista debe aprender a perdonar.

 Diferentes escenarios de muerte
 Un artista debe ser consciente de su propia mortalidad.
 Para un artista no sólo es importante cómo vive su vida, sino también cómo muere.
Un artista debe observar los símbolos en su trabajo como señales de diferentes escenarios de muerte. Diferentes escenarios de un funeral
 Un artista debe dejar instrucciones antes de su funeral para que todo se haga según su voluntad.
El funeral es la última obra de un artista antes de su partida.
El funeral es la última obra de un artista antes de su partida.
El funeral es la última obra de un artista antes de su partida. ___________________________________________________________________________________ Leído por la artista durante la BP.15 Bienal de Performance, Buenos Aires, Argentina, en el Centro de Arte Contemporáneo de la UNSAM, 27 de abril de 2015.Publicado por Artishock

Importancia del Arte Moderno

En la Historia del Arte, el Arte Moderno ha tenido un papel realmente importante; y es que sin esta tendencia, los artistas no habrían evolucionado y habrían permanecido anclados en el arte clásico. Por tanto, podemos comprender el Arte Moderno como una reinvención, en la que ya no primaba la imitación o la representación literal de lo que se estaba viendo. Con el Arte Moderno se crean nuevas perspectivas e interpretaciones, así como nuevos materiales con los que plasmar esos cambios. El Arte Moderno rompió todas las fronteras que el hasta entonces Arte Tradicional o Clásico había establecido. Hay que añadir que la fotografía jugó un papel importante en este cambio. Con ella, las representaciones exactas pasaban de los cuadros al papel. No eran copias, eran representaciones exactas de la realidad. Así, ya no era tan importante copiar lo que uno estaba viendo, podía entrar en escena la interpretación del artista, su mundo interior. El Arte Moderno comienza a fraguarse en los albores de la Primera Guerra Mundial hasta mediados del siglo XX, aunque lo cierto es que no se puede establecer fechas exactas, pues su incursión fue bastante progresiva, con pequeñas muestras que fueron poco a poco enterrando las técnicas pictóricas clásicas. Podemos considerar el Arte Moderno, o mejor dicho la época en la que surgió el Arte Moderno, como una de las épocas artísticas más ricas de la Historia del Arte, en la que cientos de manifestaciones artísticas alternativas se dieron paso, plasmando nuevas inquietudes que nacían directamente del interior del artista. Con el impresionismo y el posimpresionismo se preparó el camino para las artes modernas. Así, posteriormente explosionaron movimientos como el cubismo, fauvismo, futurismo y expresionismo. Era solo el principio, un gran número de tendencias y movimientos estilísticos estaban a un paso de surgir a la luz. Cabe destacar que el Arte Moderno, aunque tiene su mayor esplendor en la pintura, se extendió a otras disciplinas como puedan ser la escultura o incluso la arquitectura, que dejó de usar las referencias clásicas en sus elementos para experimentar nuevos tipos de ornamentación e incluso de estructuras. Todo valía, tan sólo había que experimentar y crear. El Arte Moderno ha supuesto tanto para la historia, que existen numerosos museos a lo largo del mundo que exponen algunas de las obras más importantes de los movimientos modernos. Hay museos que se encargan exclusivamente de ellos, como puedan ser el Moma de Nueva York, el Tate Modern de Londres o el Mam de Madrid.

ARCO Madrid

19 al 23 de Febrero 2014 - Madrid, España ARCO Madrid Feria Internacional de Arte Contemporáneo. Coleccionistas, galeristas, artistas, y profesionales del arte de todo el mundo se darán cita en torno a esta novedosa convocatoria, que brindará la oportunidad de encontrarse con la mejor creación plástica y de diseño nacional e internacional, en España.

La danza Nocturna 1

de Orlando Silva (WERSITO)

Mercado del arte alcanza nuevo récord con escultura de importante artista francés

Una obra de Aristide Maillol se subastó en 8, 2 millones de dólares en París. Este monto aumenta notoriamente el valor del artista, pues su récord era de 3 millones de dólares. PARÍS.- Una escultura del artista francés Aristide Maillol fue subastada el lunes por 8,2 millones de dólares, precio que marca un récord para una obra de este artista. "La Rivière" fue vendida por la casa Sotheby's en una puja dedicada sólo a él. Hasta ahora, el récord lo ostentaba la pieza "L'Air", subastada en Nueva York en el año 2000 por 3 millones de dólares. "La Rivière", esculpida en plomo entre 1938 y 1943, representa de manera alegórica el horror de la Segunda Guerra Mundial a través de una mujer, tumbada de espaldas y con rostro pavoroso, que parece intentar resistirse a una corriente que la arrastra. En la subasta, también se adjudicó por 809.636 dólares el último trabajo de Maillol, una escultura que dejó inacabada al fallecer y que se titulada "L'Harmonie". La puja batió también el récord de precio por un dibujo del creador, ya que se vendió por 792.819 dólares un trabajo preparatorio para la escultura "La Rivière". El precio más alto por una obra sobre papel de Maillol se había registrado en una subasta en París en 1992, cuando se adjudicó el dibujo "Jeune fille allongée sur le dos" por 369.120 dólares. En los tres casos, las obras fueron adquiridas por compradores estadounidenses, aunque también pujaron por ellas coleccionistas asiáticos y europeos. Todas las piezas pertenecían a la colección privada de la modelo Dina Vierny (1919-2009), musa de Maillol y de Henri Matisse. En la venta de ayer, también se vendieron por un precio superior al estimado cuatro dibujos de Matisse en los que Vierny posaba desnuda, cuyo precio se situó entre los 202.559 y los 254.685 dólares, frente a los 52.282 y los 81.423 dólares previstos

La obra artística de Orlando Silva

por Orlando Campos Orlando Silva es un joven artista plástico polivalente debido tanto a su dedicación a las distintas especializaciones del arte como diseño, pintura, escultura y fotografía como también a la diversidad de técnicas empleadas. En esta ocasión nos ocuparemos específicamente de su pintura y escultura. En su pintura la figuración ocupa el centro de su interés con un acento notable de carácter costumbrista, con una técnica muy particular que crea un estilo propio. Su composición fundamentalmente abstracta-geométrica sirve de base a una figuración estilizada, bocetada, realizada predominantemente con líneas rectas y curvas que nos llevan a un neo-cubismo. El foco de atención de sus cuadros y composiciones los conforman las figuras “geometrizadas” que originan sus tópicos o temas preferenciales. El tamaño de sus figuras dentro de sus composiciones tiende a llenar toda la obra, de aquí que sobresalen y se aprecian fácilmente en medio de las líneas que las envuelven y rodean de manera exuberante. El predominio de la línea recta en sus diversas posiciones oblicuas con la variedad de angulaciones y tamaños como también las verticales y horizontales, dan la sensación de un neo-barroquismo que llama la atención para ir contemplando los ricos detalles de la obra. El color está al servicio de este entramado de figuras geometrizadas, muchas veces a modo de monocromías donde las armonías por degradaciones se acentúan para resaltar los centros de atención de cada personaje. El resultado es una estilización de los personajes de sus obras que ocupan el centro de atención de los espectadores que al contemplarlos en sus distintas poses y actitudes captan el tema y el menaje de sus cuadros. La obra escultórica de Orlando Silva se desarrolla en el uso excelente de la técnica de talla en bajo relieve, donde logra su máxima dominio y expresión. Sus características elementales son semejantes a las de su pintura. Sus composiciones cargadas a base de líneas son realizadas magistralmente teniendo como soporte la tabla de madera. El color deja el total espacio al natural de la madera empleada. Líneas acentuadas por las hendiduras de las gubias y formones dan paso a relieves que a su vez hacen sobresalir los volúmenes y formas en el espacio siempre enriquecedor de vetas. La obra compleja de Orlando Silva, en todas sus imágenes, nos ofrece un canto a la creatividad cuyo fin es el de perdurar en el tiempo con una gran carga emotiva, artística plástica capaz de suscitar en el espectador una correspondencia en el sentir y en el aprecio de su obra.